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Wenn man nicht gerade eine Filmhochschule besucht hat (oder nicht viele Tutorials auf YouTube gesehen hat), gibt es wahrscheinlich Dinge über Filmemachen, die einem nicht bekannt sind. Und oft beinhalten diese Dinge spezifische Begriffe - Definitionen wie aus dem Lehrbuch, Slang-Wörter und so weiter. Wir bei Audiocrowd glauben, dass neben der passenden Musik, Kenntnisse dieser Begriffe sehr nützlich sein können, und zeigen euch hier ein kleinen Überblick.

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Wissen ist Macht

Wenn jemand in einem Video einen bestimmten Begriff erwähnt, kann man theoretisch leicht nachschlagen, was er bedeutet... es sei denn, man ist gerade auf einem Dreh, arbeitet mit anderen Filmemachern zusammen oder hat einen freiberuflichen Kunden. Dasselbe gilt auch für Begriffe im Bereich der Videobearbeitung. Sicher, dabei handelt es sich um eine Arbeit, die man alleine machen kann. Aber das Wissen über einige der am häufigsten verwendeten Begriffe hilft doch, kompetenter zu klingen, und ein besseres Verständnis dafür zugeben, wie andere Kreative ihre Videos schneiden. Irgendeine berühmte Person hat mal gesagt, dass Wissen Macht ist. Und wie bei allem anderen wird das Erlernen neuer Dinge Ihrem Kanal und dem von Ihnen produzierten Videomaterial helfen- das ist auf jeden Fall unsere Hoffnung!

Daher beginnen wir mit den Grundlagen: Videobearbeitungs-Begriffe, die man wahrscheinlich schon gehört hat, aber vielleicht nie ganz vollständig versteht. Am Ende dieses Artikels hoffen wir, dass unsere Leser wissen, was jedes Wort bedeutet

Begriff 1: Seitenverhältnis

Wer schon jemals versucht hat, Aufnahmen von zwei verschiedenen Kameras zu bearbeiten oder von einer Kamera und einem Handy, der ist wahrscheinlich mit der Bedeutung des Seitenverhältnisses für die Videobearbeitung vertraut. Jeder hat wahrscheinlich schon einmal das Format 16:9 gesehen, das zum Standard-Seitenverhältnis geworden ist, welches auf praktisch allem gut aussieht. Das Seitenverhältnis ist einfach eine Möglichkeit, die Beziehung zwischen der Breite und der Höhe eines Bildschirms, einer Kamera/Linse oder seiner Aufnahme darzustellen. Konsistente Seitenverhältnisse stellen sicher, dass das von aufgenommene Video seine Größe beibehält und nicht in eine seltsame Box gepresst oder in ein ultrabreites Format gestreckt wird.

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Begriff 2: B-Roll

B-Roll ist in YouTube-Kreisen ein Buzzword, aber praktisch betrachtet ist es etwas, das viele Filmemacher für selbstverständlich halten. Kurz gesagt, B-Roll ist das Filmmaterial, welches man aufnimmst, um die Szene einzuführen oder Monotonie zu vermeiden. Es ist zusätzliches Material, wie wenn man von einem Wohnzimmer-Interview zu einer Aufnahme der Gebäudefassade wechselt um noch mehr Kontext zu geben.

Begriff 3: Farbkorrektur

Dieser bestimmte Begriff beinhaltet die Hälfte des Kolorierungsprozesses. Farbkorrektur, wie der Name schon sagt, ist der Prozess der Anpassung von Farbe und Belichtung des Filmmaterials, damit es "richtig" aussieht oder so nah wie möglich am "echten Leben". Man etablierst quasi eine Grundlage für visuellen Realismus. Farbkolorierung hingegen geht darum, kreative Vision zum Leben zu erwecken. Editoren, die sich auf Farbkolorierung spezialisieren, bringen so viel Stil in das Filmmaterial ein, dass es einen neuen Ton und eine neue Atmosphäre annimmt, unabhängig von den eigentlichen Kameraeinstellungen, Bildschirmaktionen oder Tonspuren.

Und ja, wenn man B-Roll (erinnern wir uns?) in sein Projekt aufnimmt, sollte man sicherstellen, dass es farbkorrigiert und eingefärbt ist, um stets dieselbe Komposition zu liefern.

Begriff 4: Farbtemperatur

Da wir gerade über Farbe sprechen, wollen wir einen Schritt zurückgehen und etwas allgemeiner werden. Man nimmt oft wahr, wie bestimmte Lichter oder sogar bestimmte Tageszeiten das Filmmaterial warm oder kühl wirken lassen können. Wir werden hier nicht auf die genaue wissenschaftliche Erklärung eingehen, und gehen einfach davon aus, dass die Farbtemperatur von Lichtern eine psychologische Wirkung auf uns als Betrachter hat. Die Farbtemperatur wird auf der Kelvin-Farbtemperaturskala gemessen, die die Intensität einer Lichtquelle übersetzt und die "Farbe" oder den Ton angibt, den dieses Licht erzeugen wird. Der Grund, warum es so wichtig ist, das zu verstehen ist, damit man Kontrolle über diesen Teil der visuellen Erzählung übernehmen kann. Glücklicherweise verfügt jede beliebte Videobearbeitungssoftware über ein eingebautes Farbwerkzeug. So kann man leicht Farbkorrektur und Farbkolorierung innerhalb des Arbeitsablaufs erledigen, den man zum Schneiden des Filmmaterials und für andere Bearbeitungen verwendet.

Begriff 5: Kompositing

Kompositing ist wie ein Goldticket zur kreativen Freiheit. Es ist die Technik, zwei oder mehr Bilder/Visuals übereinander zu legen, indem man eines über das andere schichtet. Auch wenn das extrem technisch klingen kann, ist Kompositing zu einem Schlüsselelement des Schneidens geworden: Die beliebteste Verwendung davon ist CGI und Green-Screen-Material, bei dem ein Videoclip über einen anderen gelegt wird, um etwas "Neues" zu schaffen. Es ist praktisch ein Grundbestandteil der meisten modernen Filme, was bedeutet, dass viele Content-Ersteller versuchen, das ebenfalls zu beherrschen.

Begriff 6: Kontinuitäts-Schnitt

Der einfachste Weg, sich den *Kontinuitäts-Schnitt zu merken, ist die Art, wie man wahrscheinlich sowieso bereits Videos schneidet. Es ist der Prozess, verschiedene Aufnahmen und sogar Szenen so zu schneiden, dass sie nahtlos ineinander übergehen. Der Zuschauer sollte sich der Schnitte und Bearbeitungen nicht bewusst sein, weshalb die Leute diesen Prozess auch als "unsichtbare Bearbeitung" bezeichnen.

Begriff 7: Etablierungsschuss

Dieser spezielle Begriff ist ziemlich einfach: ein Etablierungsschuss ist wie ein erster Eindruck. Statt nur einen pro Video zu haben, kann man so viele haben, wie man möchtet. Etablierungsschüsse dienen dazu, eine Location oder eine Figur einzuführen, und man könnte argumentieren, dass der Begriff auch auf unbelebte Objekte wie Requisiten oder sogar Themen zutrifft.

Begriff 8: Bildrate

Die Bildrate ist ähnlich wie das Seitenverhältnis - es ist einer dieser Videobearbeitungs-Begriffe, die du wahrscheinlich aus Tutorials, Videospielen oder einfach beim Anschauen von Filmen aufgeschnappt hast. Jedes Video besteht aus Tausenden oder Millionen von Standbildern. (So verarbeitet unser Gehirn visuelle Daten, was erklärt, warum der traditionelle Film so viele moderne Begriffe beeinflusst hat.) Und die Bildrate gibt an, wie schnell ein Video durch die Bilder/Frames bewegt wird. Man denke an einen Stop-Motion-Film oder sogar ein Flipbook. Die Bildrate gibt an, wie schnell man von einem Standbild zum nächsten wechselt - sie bestimmt, wie lebensecht die Bewegung ist, was eine große Rolle dabei spielt, wie glaubwürdig oder "natürlich" ein Video auf den Betrachter wirkt. 24 Bilder pro Sekunde ist die Standard-Bildrate, da sie ziemlich nahe an der Geschwindigkeit liegt, mit der unser Gehirn visuelle Informationen in der Umgebung um uns herum verarbeitet. Weniger als 24 Bilder und das Video ruckelt; mehr als das und unser Gehirn fängt an, Details miteinander zu verschmelzen.

Begriff 9: Sprung-Schnitte

Jeder liebt einen guten Sprung-Schnitt. Sie sind zu einem fast unverzichtbaren Teil der Vlog-Bearbeitung und des YouTube-Contents geworden, und die meisten Content-Ersteller haben einen "charakteristischen" Schnitt, den sie die ganze Zeit verwenden. Also ist dies ein Videobearbeitungs-Begriff, den man vielleicht schon gesehen hast, selbst ohne einen Namen dafür zuhaben. Ein Sprung-Schnitt ist ein abrupter Übergang zwischen Aufnahmen. Man kann sich in 5 Minuten wahrscheinlich ein Dutzend clevere Möglichkeiten überlegen, wie man diesen Schnitt kaschieren könnte, und viele davon kann man auf YouTube bewundern. Manche Filmemacher verwenden einen Sprung-Schnitt, um Spannung zu erzeugen und den Zuschauer unbehaglich zu machen; andere setzen auf Sprung-Schnitte, um Energie aufzubauen oder aufrechtzuerhalten, etwa in einer guten Training-Montage. Oderman könnte einen unerwarteten Schnitt verwenden, um einen Fehler zu verbergen, wie eine störende Autotür oder ein Schauspieler, der in einer ansonsten perfekten Einstellung niest.

Begriff 10: J-Schnitt

Ein J-Schnitt ist ein Split-Schnitt, bei dem der Ton des zweiten Clips über das Video des ersten Clips zu hören ist. Man stelle es sich als akustisches Signal vor, bei dem der Zuschauer vielleicht Möwengeräusche oder Wellen hört, während das Video auf eine Person in einem Lagerhaus verweilt und dann zu Aufnahmen vom Strand wechselt. Das Ziel eines J-Schnitts ist im Wesentlichen, Vorfreude auf das Kommende zu erzeugen und die nächste Aufnahme oder Szene anzudeuten, während das Video immer noch auf den visuellen Elementen der aktuellen Aufnahme verweilt.

Begriff 11: L-Schnitte

Nachdem wir einen J-Schnitt definiert haben, sollte der L-Schnitt ein ziemlich einfacher Videobearbeitungs-Begriff sein... weil er im Grunde das Gegenteil des J-Schnitts ist. Werfen wir einen Blick auf unser vorheriges Beispiel. Im Fall eines L-Schnitts würde das Video von der Person im Lagerhaus zu einem ruhigen Strand wechseln. Gleichzeitig würde der Ton aus der ersten Szene - vielleicht entfernte Autos, summende Deckenleuchten oder lärmende Maschinen - über die Aufnahme vom Strand hinweg weiter abgespielt. Der Zweck des L-Schnitts unterscheidet sich nicht wesentlich von dem seines "Geschwisterchens". Beide dienen dazu, die Aufmerksamkeit des Publikums auf etwas zu lenken, entweder um eine Beziehung zwischen den Aufnahmen herzustellen oder um eine Emotion oder Atmosphäre zwischen den Szenen zu übertragen.

Begriff 12: Untere Drittel

Ein unteres Drittel ist im Wesentlichen eine Überlagerung, die über dem Filmmaterial platziert wird und sich im - wer hat es erraten - unteren Drittel des Bildschirms befindet. (Wir werden in ein paar Minuten Überlagerungen behandeln.) Man kennt sie vielleicht in Nachrichtenberichten gesehen oder als Möglichkeit, anzuzeigen, wer in einem Interviewvideo zu sehen ist. Es ist im Grunde eine Möglichkeit, Informationen mit dem Publikum zu teilen, ohne jemanden jedes Mal, wenn er/sie auf dem Bildschirm erscheint, erneut vorstellen zu müssen. Technisch gesehen sind untere Drittel in vielen YouTube-Inhalten nicht sehr verbreitet. Aber wenn man an Unternehmensvideos, Reise-Vlogs usw. arbeitet, das von zusätzlichen Details profitieren könnte, dann lassen sich untere Drittel leicht zu einem Projekt hinzufügen und sind in der Branche recht gängig.

Begriff 13: Nicht-lineare Bearbeitung

Nicht-lineare Bearbeitung ist ein klares Beispiel dafür, wie jeder Creator das Schneiden unterschiedlich angeht, und fasst im Grunde den Prozess der Verwendung von Videobearbeitungssoftware zusammen. Das Beste an nicht-linearer Bearbeitung ist, dass man nicht das originale Filmmaterial anpasst - man erstellt Kopien auf seiner Zeitleiste, was einem die Freiheit gibt, mit seinen Bearbeitungen zu experimentieren. Man muss nicht erwarten, beim ersten Durchgang perfektes Filmmaterial zu erstellen, da man bereits daran gewöhnt ist, sich umzusehen und verschiedene Teile des Materials zu bearbeiten, bis es sich richtig anfühlt.

Begriff 14: Überlagerung

Eine Überlagerung ist etwas, das über die Videoclips in deiner Zeitleiste gelegt wird, um ihr Aussehen zu ändern. Das kann eine Schwarz-Weiß-Überlagerung sein oder das Hinzufügen von Filmkorn oder Linsenreflexionen in der Nachbearbeitung, ohne sie manuell hinzufügen zu müssen. Großteils dienen sie als eine Art "Drag-and-Drop"-VFX, um Filmmaterial zu stilisieren, und das, ohne viel Arbeit Das Wertvollste an Überlagerungen ist, dass man große Veränderungen am Aussehen seines Videomaterials vornehmen kannst, ohne die Originalvideodateien auf irgendeine Weise zu bearbeiten oder zu beeinflussen.

Begriff 15: Rohmaterial

Rohmaterial ist unbearbeitetes Filmmaterial, das mit einer Videokamera aufgenommen wurde, und es erstreckt sich sowohl auf digitales als auch auf traditionelles Filmmaterial. Es beinhaltet alles, was kombiniert, bearbeitet und in YouTube-Content umgewandelt wird, was bedeutet, dass es nicht farbkorrigiert oder aufbereitet wurde. Egal, wie man Rohmaterial verwendet (Kundenarbeit, Hochzeitsvideos, Vlogs, Kurzfilme usw.), es ist genauso ein Teil des kreativen Prozesses wie die Ausrüstung oder die kreativen Ideen.

Fazit

Videobearbeitung kann kompliziert und verwirrend sein, selbst für erfahrene Filmemacher. Und das gilt besonders dann, wenn man neue Technik ausprobieren oder eine neue Fähigkeit entwickeln möchte, ohne endlos viel Zeit oder Filmmaterial zu verschwenden. Wir hoffen, dass diese Liste solche Sorgen etwas erleichtern kann. Diese Videobearbeitungs-Begriffe sind populär und nützlich genug (und , dass sie unbedingt Teil des Vokabulars jedes YouTubers/ Content Creators sein sollten. Und sobald Sie die damit verbundenen Techniken beherrschen, wird ihr Content qualitativ noch hochwertiger als zuvor.

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